Отзывы kicking — стр. 2

Она искала счастье

Оценка 7 из 10

У дебютной работы «Нахид» иранского режиссера Аиды Панахандех — счастливая фестивальная судьба. В 2015 году фильм получил в программе «Особый взгляд» в Каннах специальный приз «Promising Future Prize», на фестивале в Братиславе Панахандех получила приз как лучший режиссер. Кроме этого, лента номинировалась на «лучший фильм» на фестивалях в Пусане, Гонконге, Цюрихе, Афинах, Ванкувере, Гамбурге, Стокгольме, Белграде. Очень большое число зрителей смогло увидеть взгляд женщины-режиссера о праве на любовь и счастье обычной женщины из иранского портового города на берегу Каспийского моря. Судьба женщины в «Нахид» показана как драма человека в социуме, полном условностей и традиций, с очевидным источником вдохновения в лице братьев Дарденнов и стремлением к прощению и гуманизму.

Сложно комментировать законы иранского общества, но разве всегда справедливо, чтобы при разводе дети всегда оставались с отцом? Разве справедливо, что у женщины отнимают ее самое дорогое — ее детей… Бывший муж Нахид — Ахмад (Навид Мохаммадзаде) — наркоман, азартный игрок и тунеядец женился на ней под давлением родственников, надеявшихся, что произойдет чудо превращения в примерного семьянина. Для Нахид (Саре Байат, удостоенная на Берлинале приза за лучшую женскую роль в «Развод Надера и Симин», получившего «Оскар» в 2012 году) брак с Ахмадом становится ошибкой молодости и проклятием всей ее дальнейшей жизни. Да, она смогла вернуть себе сына, но ценой самоубийственной для нее как для женщины — невозможностью вступать в брак повторно, для Ирана, живущего по строгим исламским законам — это полный отказ от личной жизни.

Панахандех выстраивает основную коллизию в фильме на том, что важнее для женщины в жизни — счастье с любимым человеком или жизнь с собственным ребенком. Компромисс иранских законов допускает такой странный статус для мужчины и женщины как «временный брак», брак, по сути, до определенного момента времени. Для Нахид, которая полюбила всей душой вдовца Масуда (Педжман Базеги), вступление во временный брак становится настоящим испытанием не только чувств, но и разума. Масуд — такой положительный, внимательный, ответственный и серьезный готов ко всем испытаниям, готов бороться вместе с Нахид за ее сына. Самое главное — Масуд принимает историю Нахид и понимает ее, но, пожалуй, главная проблема все-таки в самой Нахид — запутавшейся в бесконечных долгах и вранье. одержимой амбициями, импульсивной и не находящей общего языка с пятилетней дочерью Масуда.

В «Нахид», пожалуй, нет главного раздражающего в подобных фильмах фактора — нет пошлой мелодрамы с заламыванием рук и выяснением отношений. По-режиссерски выверенно Панахандех раскрывает все тайны ящика Пандоры, которым является жизнь Нахид. Казалось бы, такие женщины рождены для того, чтобы нести в мир несчастье, но сюжетный твист со смертью матери Нахид меняет многое в ее жизни и оставляет главное — надежду. Снятая в депрессивных серо-коричневых тонах помноженных на наползающий временами с моря туман, эта лента создает тот высокий градус социального реализма, который характерен для большинства иранских режиссеров. Поэтому «Нахид» больше гимн социальному компромиссу, чем личному спасению и феминизму.

Каждый охотник

Оценка 7 из 10

Оглушительный успех «Охотников за головами» показал, что в Норвегии могут снимать захватывающее коммерческое кино. Эта лента имела солидный прокат по всему миру более чем в 50 странах. В качестве литературной основы сценария фильма положен одноименный роман 2008 года популярного норвежского автора Ю Несбё. Продюсерское объединение Yellow Bird из Швеции активно использовало наработки вышедшей ранее «Девушки с татуировкой дракона», планируя не только размах ленты, но и продажу в Голливуд, где идея могла бы получить улучшенную огранку и более известных актеров на главные роли. По прошествии нескольких лет после выхода в широкий прокат «Охотники за головами» смотрятся по-прежнему на одном дыхании как захватывающий криминальный триллер с элементами черной комедии.

Комплекс коротышки, всего-то 1 м 68 см — основа «Охотников за головами» — не дает спокойно жить главному герою, нареченному совсем не по-норвежски, Роджеру Брауну (Аксель Хенни, «Марсианин», «Последние рыцари») в сытой и внешне благополучной Норвегии. Высокие траты на поддержание достойного уровня жизни в футуристичном особнячке и красавица-жена, высокая (!) и статная классическая скандинавская блондинка, Диана (Синневе Макоди Лунд, дебютировавшая в этом фильме) требуют изрядных ресурсов. Для поддержания собственного престижа Роджер, занимающийся поиском топ-менеджеров в кадровом агентстве, регулярно обворовывает своих клиентов и не брезгует ни литографиями Мунка, ни голландскими мастерами. Понятно, что криминальные барыши не идут на благотворительность сироткам, тем не менее, благодаря такому любящему мужу-эстету, Диана не бедствует и открывает собственную художественную галерею. Поскольку главного героя кроме денег, как инструмента самоутверждения, ничего более не интересует, он сталкивается с не менее жестоким и беспринципным Класом Греве (Николай Костер-Вальдау, «Игра престолов», «Боги Египта»), который и ростом повыше, и более фактурен как мужчина.

Очевидно, что на противостоянии Роджера и Класа строится гиперпружинистая интрига «Охотников за головами», ну и, конечно, бабушкин Рубенс, оставленный в наследство. Глупый голубоглазый малыш Роджер алчно и с удовольствием заглатывает высокохудожественную наживку на много миллионов от Класа, которую почему-то недалекая бабуля хранила дома все эти годы, и из охотника превращается в жертву. А вот дальше сюжет ленты дает понять, что надутому блондинистому коротышке Роджеру благодаря открытой на него охоте нужно пройти через многое, чтобы и понять смысл своей хэдхантерской жизни, и спасти ее, и достойно принять увлекательную дуэль с Класом, способным позиционировать его положение где угодно. И любовь Дианы, которая та еще штучка, даром, что норвежка. Изворотливость в борьбе за жизнь офисного менеджера практически безгранична, феерична и фантастична: от промера глубины в сельском нужнике до финальной сцены, разыгранной в прямом эфире.

Эта безудержность сюжета постоянно заставляет придерживать челюсть, отвисающую местами от упрощенки и нелепости подачи экранного материала. Работавшие над сценарием «Охотников за головами» Ульф Рюберг и Ларс Гудместад буквально упиваются сюжетом Несбё, выводя его в неимоверной концентрации действия, иногда теряющего благодаря нескольким твистам все грани разумного. Остается принять на веру, что все эти натуралистично-кровожадные сцены и манипуляции с психикой, динамично сменяющие друг друга на экране, способен перенести на себе слабо подготовленный менеджер, который в абсолютной опасности, превращается в мегамозг и супергероя. Щепотка сентиментальности от любящей Дианы, делает этот фильм цельным и завершенным. Именно благодаря ей акценты смещаются с чистогана и безумия на классические фамильные ценности. И Роджер, совсем даже и не кролик ни разу, которого так просто поймать.

Немного мечты в холодной воде

Оценка 7 из 10

В последнее время отечественный артхаус преподносит сюрпризы. То, как в «Зоологии» Твердовского, у взрослой зрелой женщины хвост вырастет, то потомственный корректор подружится с русалкой на балтийском берегу. Вторую историю воплотил в дебютном полном метре Антон Бильжо, выпустив на широкие экраны «Рыбу-мечту». Имея за плечами опыт нескольких короткометражек, полных высокой фантасмагории, Бильжо замахнулся на изначально конфликтный сюжет о неравной любви свободной русалки и представителя издательского планктона. Для режиссера был важен натурный эксперимент по проверке страстью обычного, ничем не примечательного, интеллигента, решившего поработать над корректурой к нетленке «Рыбы Балтийского моря». Конечно, «Рыба-мечта» больше неровно смотированная камерная мелодрама с налетом эротического триллера, чем «черная комедия» старательно позиционируемая авторами.

Бильжо размещает героев «Рыбы-мечты» в эстонской локации, в Усть-Нарве, в тихом и неспешном курортном местечке, которое так любил профессор Полянский, автор труда о представителях морской фауны. Для корректора Романа (Владимир Мишуков, «Зимний путь», «Кино про Алексеева») приезд на курорт — своеобразный профессиональный вызов. Шутка ли, дело, которое обессмертит — выверять и проверять сколько лапок у морского таракана и голосить от умиления о дафниях и коловратках. Для пыльного, скучного, будто снятого с музейной полки, Романа немедленно выставляется антагонист Марк (Максим Виторган, «День выборов», «Лондонград») — курортный лев по определению, быстро находящий язык с женщинами и давящий малоконтактного Романа своим популизмом местечкового плейбоя. Третья вершина — это Хелена-прекрасная (Северия Янушаускайте, «Звезда») — русалка и причина нешуточной троянской прибрежной войны двух мужчин с разыгравшимся либидо.

На краудфандинге «Рыба-мечта» не набрала вообще никаких средств и это очевидно, потому что гораздо проще собрать деньги под более-менее известное имя. И это чувствуется по местами дерганому развитию сюжета, который был явно перекроен под меньший хронометраж. Тем не менее, через аскетичную техническую реализацию Бильжо доносит до зрителей отнюдь не сказочные мысли о способности принять как дар любовь живого существа, об ограниченности, которую не спрятать за высоколобым умным занятием, о мерзости зависти. Зритель терпеливо ждет от Романа мужских поступков, а он невоздержанно резвится как 40-летний девственник и инфантильно визжит о желании впасть в тишину и рутину, за которыми он и приехал. Мечта корректора — экстравагантно-сексуальная Хелена — слишком крупная для него рыба, слишком большим количеством любви она его заливает, впору сначала Роману на карасях из соседнего отдела тренироваться.

Отмечу отдельно особенности творческого метода Бильжо как режиссера в этом фильме. На съемки «Рыбы-мечты» были приглашены местные жители, прием не новый, которым не брезгуют и состоявшиеся мастера артхауса, но способный подчеркнуть и местный колорит, и тягу к согревающему бальзаму. Северия Янушаускайте в роли Хелены стала тем странным, неизмеримым обнаженным бриллиантом картины, непредсказуемость поступков которого напоминает больше земноводное с большим любящим сердцем, чем мудрую земную женщину. Твист, происходящий в середине картины с героем Виторгана, только добавляет абсурдности действию и пускает его по какому-то совсем фантастическому режиссерскому пути. Проблема интуитивной сборки отснятого материала не идет на пользу фильму, в итоге жанровый винегрет перегружает действие и «сказочный» сюжет прощается с остатками логики.

Очень импонирует желание Бильжо высказаться на тему истории для всех, истории трансграничной, которая могла произойти в любой стране, где еще водятся русалки. Попытка вывести героев на уровень архетипов дикой женщины, скучающего суперзлодея и одинокого ботана-ученого заканчивается там, где и началась, герои часто плывут по сценарию самостоятельно. В итоге «Рыба-мечта» в последней трети превращается в фильм с логичным, но ожидаемым финалом о единстве морского и земного. Любовь и хорошая плодовитость влюбленных в сказках всегда побеждают, даже лента Бильжо здесь не исключение. Из познавательного, для эрудитов — у морского таракана 14 лапок.

И на часах все время

Оценка 5 из 10

Спустя три года после съемки с дальней полки Blumhouse Productions достали для проката "Инкарнацию", снятую Брэдом Пейтоном ("Разлом Сан-Андреас", "Путешествие 2: Таинственный остров"), который визуально отчасти похож на завирусованных дьяволом героев своей новой ленты. Рецептура Blumhouse, поставляющей на рынок крепкие хорроры с бюджетом от 3 до 5 млн. за фильм, работала без сбоев благодаря "Синистеру", "Астралу" и "Судной ночи". Процесс закручивания гаек ужаса дошел до того, что фильм вышел в прокат без серьезной рекламной поддержки. Либо самоуверенность компании, либо пипл хавает и так. "Инкарнацию" можно трактовать как псевдонаучный триллер о мести и об экзорцизме как способе этой мести.
Сложно понять мотивы кастинга Blumhouse, но утверждение Аарона Экхарта ("Темный рыцарь", "Чудо на Гудзоне") на роль харизматичного доктора Эмбера в "Инкарнации" - единственный верный шаг. Эмбер после автоаварии прикован к инвалидной коляске, со свалявшимися волосами и небритый, но это не мешает ему увлеченно заниматься не вызывающей большого доверия псевдонаукой по изгнания бесов при помощи двух таких же увлеченных ассистентов (Кейр О’Доннелл и Бриэнн Хилл). Подобно беспроводному соединению по Wi-Fi, доктор подключается к душам своих пациентов и вытаскивает из них заразу одержимости бесами. В 26 лет Эмбер осознал свою способность к такого рода подключением, потерял свою семью в автоаварии, сам стал инвалидом. Не обошлось, конечно, без участия архидемона, которого наш одержимо борющийся герой называет Мэгги и носится за ним по всей территории Штатов.
Об успехах Эмбера наслышаны в самом Ватикане, встреча доктора с "официальным представителем" церкви Камиллой (Каталина Сандино Морено, "Любовники", Благословенная Мария") подана как столкновение двух принципиальных доктрин. Никакого богословского "изгнания", только "выселение", резать не дожидаясь перитонита. Автор сценария к "Инкарнации", Ронни Кристенсен ("Заклинательница акул", "Прощание"), эксплуатирует в Эмбере архетипы и одинокого гения, и добровольной жертвы. Пейтону удается затягивать зрителей в миры пациентов Эмбера, по сути, интуитивно, поэтому в определенных случаях такая стратегия сценария Кристенсена работает, но в большинстве "погружений" специалиста в пораженное сознание не возникает ничего другого, кроме недоумения. Вторичность представления указывает на влияние успешного "Начала" Кристофера Нолана по части выстраивания лабиринтов фантастических локаций подсознания.
Будни по изгнанию дьявола из пациентов Эмбером Пейтон как режиссер показывает настолько поверхностно, что нет никакой причины разбираться во всех этих наслоениях. Проживание в условиях поиска Мэгги и постоянный труд по выселению демонов из людей плохо сказываются на докторе, временами кажется, что он теряет разум. Финал "Инкарнации" еще больше подчеркивает мысль, звучащую в фильме: есть судьба, которая еще тягостнее, чем смерть. Эту фразу можно отнести ко всему фильму в целом. Еще один фильм Пейтона, показывающий нерешительность съемки, а далее копию - в чулан истории для знатоков и полное забвение в течение полугода.

Санталлюция

Оценка 5 из 10

Фарш невозможно прокрутить назад и время ни на миг… Алчное желание срубить денег на ностальгии и доверчивости обывателей — вот основной очевидный мотив выпуска в массовый прокат «Плохого Санты 2» и надежда на большой штатовский авось. Нехитрая история про беспринципного заокеанского Деда Мороза стала хорошей занозой в заднице для умиленного предновогоднего кинопроката страшно давно — 13 лет назад. Видимо, все это время в головах авторов вызревали шутки юмора, гэги и новые персонажи для очередного глумления над Рождеством. Но не так плохо снимать продолжения, поэтому появился от новых отцов «Плохой Санта 2» — черная криминальная комедия, в которой нет полета большой фантазии, но есть грув ежеминутных мантр про половые ценности от отдельно взятого героя Билли Боба Торнтона.

Для ценителей фильма 2003 года есть над чем всплакнуть — исчезла Лорен Грэм, на идейную замену которой пришла Кристина Хендрикс ("Неоновый демон»). По сюжету, так и хочется это сказать, Кристина-я-не-надувная-Хендрикс не прочь похотливо зажечь с плохим Сантой в самых интересных местах, но еще она успевает и попокерфейсить в благотоворительном фонде, руководимом ее муженьком. У заметно обветшавшего главного героя Вилли (Билли Боб Торнтон) есть маман Санни (разрывающая кадр Кэти Бейтс) по разряду пью-курю-и-матерюся и еще ломаю сейфы. Сынок-имбецил, господь прости, Турман (Бретт Келли) накатил для фильма в себя пару десятков кило лишней массы. Гном Маркус (Тони Кокс) бодро ползает по мусопроводам, не страдает эректильной дисфункцией, выкладывает фотки в Instagram и опровергает в кадре «Плохого Санты 2» тезис о том, что гномы тоже стареют.

Написать сюжет и персонажей подрядились аж четверо (!) сценаристов, причем авторы оригинальной истории Гленн Фикарра и Джон Рекуа ограничились только разработкой персонажей. Марк Уотерс взялся управлять всей этой командой, имея уже в активе хорошее портфолио ("Академия вампиров», «Пингвины мистера Поппера», «Между небом и землей»). В итоге Уотерс снимает «Плохого Санту 2» как что-то среднее между продолжением истории спустя много лет и ремейком оригинала. Мамка в татухах, с зарождающимся Паркинсоном, в исполнении Кэти Бейтс — единственная, кто по-настоящему отрывается в кадре, переигрывая всю остальную компанию, потому что она — идейный мотор всего фильма, мозг и взрыватель сюжета. Ее сынок, «задротыш», Вилли не добавляет к роли ничего особенного, кроме сентенции про то, что каждый нас выбирает свою рождественскую сказку.

В чем причина такой катастрофы и провала «Плохого Санты 2»? В очевидной недооценке зрительской аудитории: цинизм, шутки про секс, сексизм, толстухи, шлюхи-толстухи, шутки про карликов интересны по-настоящему уже только в среднем школьном возрасте. Хочется сказать авторам — в кино этого добра уже давно в избытке и без «Плохого Санты 2». Долго выпускали, место потеряли, шуткотоксикоз. В «Плохом Санте 3» из Торнтона будет сыпаться песок и это будет главная шутка.

Редкая комбинация

Оценка 7 из 10

«Ке-ды» Сергея Соловьева почетно открывали 38 Московский международный кинофестиваль. Это был безусловный реверанс в сторону мэтра, позволившего себе еще один эксперимент. Лента Соловьева снята по мотивам рассказа Андрея Геласимова, представленного широкой публике в форме блога в рамках проекта «Сноб» несколько лет назад. В «Ке-дах» работает с мастером почти одна молодежь, способная воспроизвести историю свежо и в то же время очень по-соловьевски, очень считываемо. И еще «Ке-ды» производят впечатление мастерски переделанной короткометражки свежеиспеченного выпускника ВГИКа с нервом и желанием свежего взгляда.

Вместе с Соловьевым играют в артхаус совсем юный Саша (Николай Суслов), обладающая существенным опытом съемки в сериалах Аглая Шиловская в роли Амиры, рэпер Баста и два далеких от кино участника — Красный (Илья Нагирняк) и мальчик-аутист Митя. Вполне подходящий состав для черно-белой зарисовки нескольких дней из жизни случайно встретившихся людей, которые, если и не смогли изменить ход истории, то смогли по-новому посмотреть на мир, в котором живет каждый из нас. Мир собственных иллюзий и заблуждений, мир ежедневных нахоженных троп и распорядков, где есть дела и ответственность, но так мало событий. Соловьев экстравертом выстрелил в 80-х в целое поколение при помощи «Ассы», при помощи песен Цоя и Гребенщикова, показывая, что нонконформизм в СССР, как и секс, есть и возможен. «Ке-ды» же, наоборот, глубоко интровертны и камерны и никакие песни Басты не способны сгладить надрыв мунковского крика экранной истории, возникшей, по сути, из пустяка.

Режиссер рассказывает историю Геласимова, историю, причиной которой стала так и не надетая, но так бережно хранимая пара обуви. В этой истории есть само собой неизбежность, даже, если можно так сказать против правил родного языка — неизбежности. Неизбежности расставания с той, которая стала так быстро близкой, встречи с военкомом Бастой В. М., неизбежность цитирования того, что очень любишь. Поэтому и «Летят журавли» у Соловьева, и карабкаются по вантам и пропевают песни «Дети капитана Гранта», и бежит точно так же Шиловская как юная Татьяна Самохина на армейских проводах, и по-годаровски размашисто накатывается «Лишь бы войны не было». Даже для экранного воплощения музы, Татьяны Друбич, в «Ке-дах» нашлась пара мгновений.

В фильме есть то ускользающее замечательное, есть та юность, которая достойна ошибок и больших надежд. Соловьев не стареет и не молодится, он способен создать настроение в кадре благодаря естественности и максимализму. Это и рождает цвет финала, и дает ощущение начала жизни. Вроде бы и ни о чем фраза «Митю я забрала» способна дать надежду на изменение мира. И куда приятнее, когда тебя ждут живые любящие люди, чем просто красивая неношеная пара обуви.

Чувства как ошибка

Оценка 7 из 10

Как замечательно, что в киномире еще остались имена подобные Брэду Питту и Роберту Земекису. Одно только совмещение на афише этих двух замечательных парней — повод оказаться в кресле кинотеатра на просмотре новейших «Союзников». Они не нуждаются в представлении, их знают все. Прекрасная Марион Котийяр в качестве партнерши Питта, сценарий Стивена Найта ("Лок», «Грязные прелести», «Жертвуя пешкой») и камера Дона Бёрджесса, работавшего с Земекисом на большинстве его ключевых картин. Как минимум кинематографический фулл-хауз, гарантирующий, что «Союзники» — ностальгическая шпионодрама о настоящей любви во время Второй Мировой — окажется именно тем синефильским бальзамом, способным излечить все сомнения относительно мастерства Земекиса и уверенности Питта.

Сомнения были, ибо желтые факты об интрижке Питта и Котийяр создавали больше антирекламу для «Союзников», чем нацеливали на успех просмотра ленты. Итог просмотра позволил сделать простой вывод — никогда не верьте авторитетам имен с афиш. Если бы «Союзников» снял артхаусный режиссер, то восторгам не было бы конца. Для артхауса история женщины-агента-оборотня — прекрасный повод поразмышлять о темных сторонах женской натуры, вполне укладывающийся в феминистический тренд. Но Земекис — представитель зрелищного продюсерского кино из Голливуда, а не сомнительный гений «Роберт — одна копия».

Как автор сценария, Найт добросовестно разрабатывает все архетипы сюжета. Трансформации канадского летчика Макса Ватана, подполковника британских ВВС, на протяжении всего экранного времени «Союзников» отрабатываются достаточно четко. Заброшенный волей командования в Касабланку Ватан встречает не только товарища по борьбе с фашизмом Марианну Бозежур (Марион Котийяр), он встречает женщину, которая вошла в его жизнь. Рико в знаментиной «Касабланке», которую ностальгично воссоздает Земекис, так и говорит: «Из всех забеголовок в мире она вошла в мою». Очевидно, что любовь Макса и Марианны далее будет представляться как роковая любовь с почти первого взгляда, как сила, подвластная только провидению.

С любовью в «Союзниках» все проблемно и непросто. Напуская мелодраматического флера в отношения героев и Найт, как сценарист, и Земекис, как режиссер, выглядят неубедительно. Любовная сцена Макса и Марианны во время песчаной бури в автомобиле перед выполнением важнейшего задания по устранению гитлеровского аристократичного генерала показана как обязательное упражнение из сценарной школы. Никакого физического воплощения, возможно, последней близости в этой жизни, никакого психологического единства, только призрак Анджелины Джоли, подглядывающей в окна авто со сковородкой за спиной. Все истинные чувства Питт изображает с каким-то деревянным, отстраненным лицом, с этим же универсальным для этого фильма лицом он ходит на службу в военном министерстве, бросается на врагов как настоящий подполковник, держит дочь на руках по протоколу.

Сюжетная линия травмированного героя подана в ленте Земекиса весьма своеобразно. Битый час экранного времени во второй половине «Союзники» разрываются между шпионским триллером и военной мелодрамой с обязательными родами в больнице, падением сбитого самолета на соседнюю лужайку и развитой сетью фашистских кокаинистов-подпольщиков в Лондоне. Мотивация героя Питта на боль распознавания в ставшей после рождения дочери такой милой и домашней Марианне видного представителя агентурной сети больше напоминает агонию паранойи, чем вдумчивое расследование фронтового офицера. Пожалуй, самое важное, что удается показать Земекису в этой ленте — это трагедия любви перед которой меркнут трагедии предательства и потери. В итоге «Союзники» становятся фильмом, где авторы и актеры не демонстрируют ожидаемого мастерства блицкрига захвата зрителя на свою сторону, а весьма уныло тянут лямку почти окопных будней, ожидаемо твистуя в финале.

ПелеСказ

Оценка 7 из 10

Футбол любят практически все, особенно хорошо в нем все начинают разбираться во время крупных соревнований типа чемпионата мира. Странно, но в США соккер не так популярен, тем не менее, про футбол братья Джефф и Майкл Цимбалисты уже снимали ранее. Их документальная лента «Два Эскобара», рассказывающая в том числе и о колумбийском футболисте Андресе Эскобаре, была с успехом продемонстрирована несколько лет назад на крупных кинофестивалях. На этот раз братья сняли уже свой первый полноценный игровой фильм о великом футбольном сыне бразильского народа Пеле. Работа Цимбалистов «Пеле: Рождение легенды» — это проливающая на свет факты детства и юности биография, которая вышла под патронатом самого Пеле в качестве продюсера.

У Пеле в «Рождении легенды» есть крошечная роль, он появляется на несколько секунд в кадре, когда бразильская сборная развлекается игрой в мяч прямо в отеле на чемпионате мира 1958 года. Сам мастер более чем доволен, видя свое 17-летнее воплощение, но способен ли при этом фильм обойти традиционные для спортивного байопика подводные камни и не сесть на мель тщеславия? Это, пожалуй, основной вопрос к Цимбалистам как к авторам спортивной драмы, балансирующей на грани между показом традиционного нелегкого пути в большой спорт и открытием непостижимых прежде секретов детства и юности футбольного гения. Конечно, чуда не происходит, и «Рождение легенды», в первую очередь, благодаря участию в проекте самого Пеле, идет по среднему пути, демонстрируя больше эмоциональный, чем объективный взгляд на футбол в Бразилии 50-х. Как и право великих бразильцев тех лет на джингу — особый уникальный стиль игры, который позволил им прийти к победе на мундиале.

Как авторы фильма Цимбалисты максимально упростили себе задачу, сняв вполне успешное кино, которое не скатывается в откровенное сентиментальное мыло, но и не дает зрителю каких-то острых драматических моментов. Разворачивать красиво беспроигрышные аксиомы относительно жизни и спорта — дело хотя и банальное, зато работающее на воспитание подрастающего поколения. Мантры про «не сдавайся», «иди до конца», «будь предан футболу» мотивируют и работают в кадре наряду с босоногой командой, мячом из тряпок и тренировок Пеле с его отцом Дондиньо (Сеу Жоржи) с плодами манго на заднем дворе муниципальной больницы. А еще жажда реванша для родной Бразилии и чудо попадания и карьеры в великом «Сантосе». В истории «Пеле: Рождение легенды» показано слишком мало острых углов, о которые бился юный гений в детстве, и слишком много прямолинейной нацеленности на демонстрацию триумфа 17-летнего футбольного вундеркинда.

Вопрос зрелищности ленты решен вполне бюджетно: понимая, что магию игры Пеле можно продемонстрировать только кадрами черно-белой хроники, братья Цимбалисты активно используют стоп-кадры и замедленную съемку для создания острых моментов игры в заключительной фазе «Рождения легенды». Актерский состав фильма не блещет звездными фамилиями, кроме, пожалуй, Винсента Д’Онофрио ("Сорвиголова», «Люди в черном») в роли тренера бразильцев Феолы. Очевидно, что такие коллеги Пеле по звездной команде 1958 года как Гарринча и Вава задвинуты на хороший второй план. Вопрос целевой аудитории фильма больше риторический — все неравнодушные к футболу ценители и знатоки. Но нужен ли нам такой олегендаренный футбол о Пеле глазами Цимбалистов — каждый ответит самостоятельно после просмотра.

Одиночество ветра

Оценка 8 из 10

Новая работа «Дом для русалок» стабильно и уверенно работающего узбекского режиссера и сценариста Ёлкина Туйчиева была представлена на 38 Московском кинофестивале. Над лентой работал большой интернациональный кинематографический состав, представленный пятью европейско-азиатскими странами. Перед представлением в Москве «Дом для русалок» с успехом позиционировался как «Лучший фильм Центральной Азии» на 5 кинопремии «Ак Илбирс», которая вручается кинематографистам среднеазиатских республик бывшего СССР. Это первая лента Туйчиева, получившая относительно широкий прокат в России, хотя на исторической родине, в Узбекистане, Туйчиев — признанный мастер авторского кино, который работает в прекрасном темпе, представляя публике регулярно одну-две картины в год. Интересно то, что этот режиссер построил «Дом для русалок» в дэвидолинческом стиле как драматический триллер с элементами мистики.

Сюжетная линия «Дома для русалок» и уникальна, и космополитична одновременно. Такая история могла произойти где угодно. В любой стране, в любом месте. С некоторой поправкой на местный колорит в кадре. Одиночество человека, настоящее, пожирающее все на своем пути, не знает границ. Оно только бьется в сердце колоколом потерь, напряженно ищет своих, таких же одиноких, с которыми можно продираться сквозь зловещий туман абстрактного города-дыры, где время остановилось. Сказать, что лента Туйчиева об одиночестве, его напряженном преодолении и поиске свободного места в сердце — значит попытаться найти нужные слова для того небольшого хронометража, обволакивающего звенящей самодостаточностью.

Как автор, Ёлкин Туйчиев — мастер пауз и немногословных диалогов, мастер создания странной атмосферы потерянности без растерянности, недоверчивого одиночества, уводящего все материальное в какой-то странный затуманенный план алогичного хождения по кругу одних и тех же мест. Строя завязку «Дома для русалок» на классическом — на потере дочери, которую 55-летний Аймас (потрясающе харизматичный Сейдулла Молдаханов) не видел уже много лет — режиссер выводит зрителя прямиком к такой же потерянной Самал (Шахзода Матчанова). Страшно, фатально, но Самал — зеркальное отражение потерянной дочери Аймаса, абсолютно другая внутри, но такая же заблудившаяся в своей тревоге. Экзистенциальный конфликт создан. И Самал, и Аймас, лишенные способности найти смысл собственной жизни поодиночке, будут искать его сообща.

Удивляет то, что «Дом для русалок» обладает какой-то особой красотой в выстраивании кадра оператором Рустамом Мурадовым. Заезженное слово «атмосферность» для натурных съемок вряд ли будет здесь к месту. Спокойствие красоты пейзажей, депрессивность и промозглость городишки — больше оживающие декорации, чем просто красивый фон для героев. Сценарий ленты с парадоксами деталей обманывающего реализма, тем не менее, способен сделать круг и вывести зрителя в состояние безгранично-предсказуемого катарсиса. Профессионально сильная работа, рекомендуемая к просмотру самому широкому кругу ценителей артхауса.

Коллекционер трагедий

Оценка 6 из 10

Свой новейший фильм «Абатуар. Лабиринт страха» режиссер Даррен Линн Боусман начинает с цитаты из Генри Дэвида Торо: «Наши дома так громоздки, что часто оказываются скорее тюрьмами, нежели жилищами». Собственно, этот эпиграф из наследия видного американского мыслителя середины XIX века и есть завуалированный ключ к пониманию фильма. Стыдливая уточняющая добавка про «лабиринт страха» — не более чем трудности локализации страшнопроизносимого «Абатуар». Ведь еще в 2011 году талантливый Боусман опубликовал первый из серии комиксов, которые рассказывали об агенте по операциям с недвижимостью, раскрывавшем тайны домов и квартир, где произошли убийства. Серия комиксов получила беспощадное «Скотобойня (Abattoir)" в качестве названия, а спустя пять лет Боусман представил «Абатуар. Лабиринт страха» — неонуаровый триллер с заездом в патриархальный городок в Луизиане с обязательным посещением дома с привидениями и намеком на будущую франшизу.

Как мастер Даррен Линн Боусман состоялся снимая вполне себе небезуспешно сиквелы знаменитой «Пилы». Последовавшие за ними «Генетическая опера», «Город монстров» и «Карнавал Дьявола» абсолютно четко демонстрировали нежелание режиссера топтаться на хорошо утрамбованной территории просто ужастиков и тягу Боусмана к некому стилевому кроссоверу, позволяющему осваивать новые территории. Работавший над сценарием к «Абатуару» Кристофер Монфетт, не имеющий в активе громких работ, оказался способен к глобальной реконструкции домов с привидениями и скелетами в шкафу. Кроме того, Монфетт смог сделать сюжетно еще более плотной комиксовую основу, заменив в сценарии агента по недвижимости на журналистку из лос-анджелесской газеты The Metro Daily Джулию (Джессика Лаундес, ранее работавшая c Боусманом на «Карнавале Дьявола») и совместив личную историю Джулии с сюжетом фильма. Журналистка начинает проводить личное расследование при помощи экс-бойфренда детектива Деклана (Джо Андерсон, «Контроль», «Через Вселенную») после загадочного тройного убийства родной сестры, ее сына и шурина и вынуждена вернуться в промышленно-деградировавший городок саркастично названный Нью-Инглиш откуда она сама родом.

Одно обстоятельство, которое Боусман обыгрывает в эпиграфе и которое в «Абатуар. Лабиринт страха» не выдерживает никакой критики, — это сам городок, его обитатели, духовный лидер этого в прямом смысле Богом забытого места и его идеи. Жители Нью-Инглиша, включая шерифа, представлены как убежденные фундаменталисты антихристианского учения странноватого старичка в котелке Джебедайи Крона (Дэйтон Калли, еще один старый знакомец Боусмана). Доктрина Крона целиком произрастает из процитированного в начале ленты Торо — добровольная самоизоляция, никаких чужаков в городишке, здорово и вечно с духовным пастырем. А то, что пастырь скупает на корню полную обстановочку вместе со стенами с мест кровавых убийств, так это для всеобщего спасения, для дома, который построил Крон. Королева жанра Лин Шэй, сыгравшая Алли, неподражаема в роли владелицы гостиницы, сумевшей предоставить внезапно понаехавшим недостающую ключевую информацию относительно течения жизни в луизианском захолустье.

Подобно тому, как старина Крон построил дом с любовно заселенными привидениями в глухом лесу в виде гигантского, одному ему ведомого, зловещего паззла, Боусман применяет такое мозаичное жанровое построение и в ткани в «Абатуар. Лабиринт страха». В Лос-Анджелесе нам демонстрируют неонуар винтажных одежд и автомобилей в совокупности с хорошо прописанными диалогами, после перемещения в Нью-Инглиш зритель может полностью погрузиться в готическую атмосферу южного городка с его провинциальными тайнами и теориями заговоров, нагнетающими страх, и, наконец, дом-лабиринт, полный привидений, на десерт. Благодаря подобным экспериментам внутри жанра «Абатуар» претендует на метакинематографичность, что для фильмов ужасов не такое частое явление. Боусману при помощи таких профессионалов жанра как оператор Майкл Фимоньяри, художник по костюмам Дженнифер Спенс и художник по декорациям Растон Хэд удается практически безупречную готически-индустриальную атмосферу. Слишком мало для франшизы в перспективе и слишком много излишней увлеченности экспериментами внутри жанра.

Путь из точки до вечности

Оценка 8 из 10

Творческий тандем Андрея Шальопы и Кима Дружинина, благодаря которым состоялись «28 панфиловцев», не может похвастаться ни обширной фильмографией, ни обилием фестивальных наград. Но именно они могут быть обозначены как авторы одного из лучших отечественных кинопроектов в этом году. Подобно тому, как это происходило в Великую Отечественную, когда люди на свои средства всем миром покупали для фронта самолеты и танки, финансирование первоначально считавшимися неперспективными «28 панфиловцев» состоялось частично благодаря краудфандингу. Эстетически фильм стоит на плечах гигантов, снятых о войне в СССР в 60-70-х в уже прошлом веке, в то время, когда Андрей Шальопа был еще мальчишкой и были живы фронтовики, которые говорить и вспоминать о войне не очень-то и любили. Но сейчас уже другое время, и в этом настоящем экранизированы «28 панфиловцев» как уверенная и скрупулезная реконструкция в почти реальном времени без признаков развлекательного аттракциона, но с вниманием к историческим деталям.

Может показаться странным, но фильм Шальопы и Дружинина — это все-таки вариант хорошо завуалированного нишевого военного артхауса, снятого в итоге при солидном бюджете, снятого по-советски олдскульно, но не растерявшего при этом своей авторской сверхзадачи — показать ту страшную войну глазами внуков и правнуков победителей. При всей спорности первичного источника информации, «28 панфиловцев» полностью отражают монолит легенды подвига людей, остановивших 18 танков на подступах к Москве. Благодаря поддержке опытных реконструкторов удалось воссоздать самую главную техническую деталь фильма — немецкие танки, которые были сняты без компьютерной графики методом комбинированных съемок. Само сражение в «28 панфиловцах» показано как битва с лютым немецко-фашистским врагом, максимально обобщенным, безликим и говорящем на непереводимой тарабарщине. Это упрощение работает на идею фильма, но делает гитлеровцев и их боевые машины больше похожими на современных игровых персонажей.

Не скрою, многие диалоги из ленты при очень скромной и даже условной драматургии будут разобраны на цитаты, хорошие и не очень. Для Шальопы слишком велика была ответственность, но в итоге не обошлось без постмодернистских заездов в классику кино, появившуюся после Второй Мировой. Сознательно или нет, но авторы в диалогах бойцов не нашли ничего лучше, чем привлечь внимание зрителей абсурдно выбивающимся из контекста цитированием «Семи самураев», «Великолепной семерки» и «300 спартанцев». Искренность сентенций политрука Клочкова (Алексей Морозов), непрерывный швейковский юмор от звезды «Ментовских войн» Александра Устюгова в роли Москаленко, пламенная речь самого Андрея Шальопы, снявшегося в роли лейтенанта, создают тот необходимый градус патриотизма и фронтовой будничности, когда каждый день на передовой мог стать последним. Внутренняя цензура сценария старательно обходит «СССР», «Советский народ», «Сталин», заменяя это на «Россия» и «русский» с убедительным простым объяснением от Клочкова не только канонического «Отступать некуда», но и таких важных «Родина» и «Отчизна».

К несомненной удаче фильма можно отнести полное отсутствие лирической линии у героев вообще, что позитивно сказывается на динамике «28 панфиловцев» и не наполняет суровый сюжет ненужной сентиментальностью. Хотя за искренним и понятным максимализмом авторов кроется то, что называется родом из детства, кроется больше недоигранность в оловянных и прочих солдатиков и желание снять именно свою войну в кино. Войну справедливо не оставляющую зрителю права выбора сторон, войну, где люди становятся проще и честнее перед вражескими машинами и не обладают широкой гаммой характеров и типажей. По сути своей, «28 панфиловцев» — фильм для всех нас, граждан своей страны, фильм-памятник тем, кто верил в победу и сражался за мир. И не бывает атеистов в окопах под огнем.

Опергеймер

Оценка 7 из 10

Есть категория режиссеров, которые всегда привлекают внимание своими работами и не боятся рисковать именем и репутацией. Новейшая работа Павла Лунгина «Дама Пик» размещается на внушительной дистанции от таких громких работ режиссера как нашумевшие «Остров» и «Царь». Фильм представляется постмодернистским парафразом Пушкина и Чайковского с переносом классических тем в новые интерьеры современной Москвы и созданием хорошо визуализированного китча. Тема игры, тема привнесения новой жизни и нового дыхания в консервативное оперное искусство, желание добавить еще большей мистики в опорный оригинал — «Пиковую даму» — и, самое главное, пустить главного героя роковым путем Германна — основные векторы ленты. Жизнь в опере и/или опера в жизни — две колеи, по которым движется развитие «Дамы Пик» с переменным успехом в качестве околобогемно-криминального триллера.

Четырехугольник из главных героев — Андрея (Иван Янковский), Софьи Майер (Ксения Раппопорт), ее племянницы (Мария Курденевич) и какого-то вынурнывшего из прошлого десятилетия полукриминального олигарха (Игорь Миркурбанов) — по определению не является жесткой фигурой и не создает прочного каркаса для сценария. Актеры разной степени мастерства, они в фильме Лунгина так и не образовали ничего даже отдаленно похожего на слаженный ансамбль. Мощь и потенциал нечасто снимающегося Миркурбанова сводятся к коротким фразам усталого Мефистофеля, обитающего в пошлом псевдоантичном доме и с ленивой иронией наблюдающего за жизнью в собственном казино. Героиня Марии Курденевич, оперная Лиза по сюжету, в «Даме Пик» так и осталась актрисой ожившей декорации, поющей, сюжетно необходимой и без явно выраженного предназначения. Ксения Раппопорт — явный экстремум актерского состава ленты, сводящая в итоге на себя все внимание, представляет оперную диву в широкой гамме накрывающего ее порока и, тем не менее, холодно и четко идущая по головам ради обновленного оперного контента «Пиковой дамы», который она представляет. Главное мужское начало фильма — Иван Янковский — таковым является только номинально и старается стряхнуть нафталин с образа юного героя-любовника как будто пришедшего из немого кино, которому не хватает трагичности и безумия будущего оперного гения.

Лунгин в «Даме Пик» с успехом воплощает историю эдипова комплекса Андрея к своей матери в искусстве госпоже Майер, превращая его в триллер. Начиная от чудесного спасения из ледяной полыньи в отроческом возрасте и обретения предназначенного судьбой голоса и заканчивая предсказуемым, кажущимся любовным, треугольником, по-матерински заботливо выстраиваемым Софьей. Убедительность Валерия Печейкина, работавшего над сценарием к фильму, очевидна. Для Андрея дива-режиссер становится и эмоциональным манипулятором, и любовницей, и тем странным фатумом, который подсказывает и подталкивает Андрея на полное вживание в роль Германна. Слишком многого Мейер ждет от этой постановки, слишком много заложено в хрестоматийном «тройка-семерка-туз», слишком движет ей желание успеха ее «Пиковой дамы» и не важно, сколько раз он повторится.

При всей театральности и гипертрофированной предсказуемости волшебного голоса Андрея (ну чем не Карузо, однако), разбивающего силой голоса лампочки и саму Луну, и сакральности холодного расчета Софьи как режиссеру Лунгину не удается сделать в «Даме Пик» главного — четко расставить акценты на действующих лицах и выделить кого-то, на чьей стороне будет зритель сердцем. Того, кому можно простить и одержимость любимой собой с восковыми куклами и коллекционным Роллс-Ройсом, и увлеченность собственной значимостью и самопальными армянскими коньяками. Все хорошие идеи «Черных лебедей» и «Неоновых демонов» витают в воздухе и быстро материализуются на экране. Не совсем успевает за этим маэстро Лунгин и выдает наспех переосмысленную историю Пушкина. Вполне считываемая «Дама Пик» как отсыревший порох — с дымом и бутафорией и почти совсем без огня.

Обратный отсчет Власты

Оценка 8 из 10

Дебют чешского режиссера Славека Хорака с его «Домашним уходом» в 2015 году был весьма оглушительным. Фильм претендовал на «Хрустальный глобус» в Карловых Варах, там же исполнительница главной роли Алёна Михулова была удостоена приза за лучшую женскую роль. Работа Хорака ориентирована в первую очередь на обычных, способных переживать, зрителей, которые уже подустали от вывертов артхауса и примитива коммерческого кино. Как жить дальше, когда узнаёшь, сколько тебе осталось? И как прожить достойно в этом обратном отсчете? Об этом и рассказывает «Домашний уход» — глубокая смысловая драма с щедро разбросанной иронией и юмором.

Да, Власта (филигранная роль Алёны Михуловой) узнает о своем смертельном недуге благодаря случаю. Скромный социальный работник, приходящая медсестра, Власта попадает в страшную аварию вместе с добрым самаритяном-мотоциклистом. Виной всему глупые лягушки из Евросоюза, которые и делают некоторые участки дорог особо опасными в родной Чехии. Абсурд завязки истории — в обычной лягушке. Такой дорожный твист запускает страшный механизм, который отсчитывает время до смерти.

Рак — это неизлечимо, уже поздно, пять, шесть, семь месяцев… Точнее, семь, шесть, пять месяцев того, что было названо Хораком «Домашний уход». Власта, удивительно, но Вы — сильная женщина. Продолжать ходить в любую погоду с двумя тяжеленными коричневыми сумками к своим иногда странным, иногда полоумным, иногда к эпатажным пациентам будучи смертельно больной — уже само по себе подвиг. А здесь мы видим нечто большее — героиня Михуловой пытается разобраться в том, что самое главное в жизни, когда осталась всего какая-то пара сотен дней.

Просыпаться с хорошим настроением, заняться танцами, чувствовать себя желанной спустя десятилетия брака с сентиментальным и немного трусливым, но, не менее горячо любимым, увальнем Ладой (ветеран чешского кино Болек Поливка), найти новую близкую подругу Ханакову (Татьяна Вильгельмова). Удивительно, но Хораку удается показать женщину не сломленную болезнью, а одержимую жаждой жизни, желанием помочь своим пациентам, жаждой разобраться наконец-то в этой жизни при помощи модного психолога Мириам (Зузана Крёнерова) и понимающую, что все ее спасение — в простоте повседневности, в любви к мужу и дочери, в умении дружить. Власта — настоящая, не придуманная долгими бессонными ночами Славеком Хораком. Можно усомниться тому, сколько мудрости, терпения, сострадания и характера в этой провинциальной сиделке, но она способна на поступки здесь и сейчас, способна принести себя в жертву, а не быть ей. Режиссеру «Домашнего ухода» удается практически невозможное: простую мелодраматическую историю наполнить такими убедительными смыслами, что лента становится драмой высокой пробы.

При всей своей убедительности как драма, «Домашний уход» заряжает зрителя юмором на грани черного. Разговор по телефону с дочерью из свежевыкопанной могилы, самолечение в церкви, беседы о кремации с мужем выпускают избыточный пафосный пар и вовремя разряжают трагическое содержание. Картина изобилует твистами, многозначительными повторами и провинциальными операторскими видами, не проигрывая при этом в темпе и искренности подачи. Открытый финал «Домашнего ухода» опирается на надежду чуда жизни для Власты. Day in, day out. День, ночь — сутки прочь.