Отзывы kicking — стр. 2

Балканские бега

Оценка 7 из 10

Преданные фанаты творчества Эмира Кустурицы ждали его новую режиссерскую работу долгие 8 лет. В новом фильме «По млечному пути» их терпение будет с лихвой вознаграждено, но для всех остальных зрителей эти «три истории и множество фантазий в основе» станут неплохим введением в творчество балканского мастера. Говорить о нем можно только в контексте его фильмов, он ярок, узнаваем по неповторимому авторскому почерку, силен и естественен в том магическом реализме, которым начинена и его последняя лента от первой до последней минуты. Все, показанное в новейшем опусе, живет и развивается по своим законам, далеким от рациональности реального мира и заданным Кустурицей на уровне поэтики образов, узнаваемых и предсказуемых. Уже в очередной раз режиссер преломляет для фильма события войны в бывшей Югославии, поэтому «По млечному пути» складывается как гротескная трагикомедия, сочетающая в себе яркую странную демонстрацию прифронтовой жизни с приключенческим экшеном, презирающим все законы реальности, во второй половине фильма.

Допуская для себя симпатию к режиссеру «По млечному пути», отмечу, тем не менее, избыточность и многословность авторского языка, благодаря которому чудеса и образы, иногда пририсованные при помощи нехитрой компьютерной графики к концу просмотра теряют свое очарование и начинают выглядеть уже фальшиво. Для своих поклонников Кустурица мастерски реализует проверенный рецепт — горные виды гармонично сочетаются с вертолетным треском и звуками беспорядочной стрельбы из всех видов оружия, идиллию белоснежного стада гусей нарушает свиной визг, странному молочнику-музыканту, который больше разговаривает с животными, чем с людьми, пришивает ухо на суровую нитку роковая женщина. События боснийской войны показаны через сказочную любовную историю между прифронтовым сербским молочником Костой (сам Эмир Кустурица) и его странным объектом желания итало-сербского происхождения без имени. Моника Беллуччи в роли Невесты напоминает нам о любви режиссера к итальянскому неорализму. Она постоянно смотрит неизвестно откуда взявшиеся «Летят журавли» Калатозова, быстро адаптируется к ведению домашнего хозяйства в прифронтовой деревне и проворно разливает молоко по флягам.

Да, Невеста была любовницей генерала миротворцев из Лондона, да, свела довела его до тюрьмы. Но героиня Беллуччи, как и Коста — люди с уже потерянным прошлым, зыбким настоящим и только любовь, за которую они хватаются как за колодезную цепь, дает им силы выживать для будущего всеми возможными способами. Они продираются в прямом смысле через метафоры и поэтический полет фантазии Кустурицы позволяет им спасаться. Но голова режиссера — предмет темный. Грезы об убийственных часах на станционной башне, змее, которая напивается молоком и вырастает до огромных размеров, взрывающихся овцах на минном поле и будто бы сошедшей с постера из 80-х знойной заслуженной югославской чемпионке-гимнастке Милене (Слобода Мичалович) располагаются внутри «По млечному пути» самым естественным и проверенным образом.

Проблема этого фильма — в неуверенности самого авторского высказывания. Да, он и Белуччи демонстрируют неплохую физическую форму и сноровку для своего возраста, да, вся кричащая пестрота на месте, да, авторская фантазия неуемна, даже реализм — и тот дает прикурить магичности. Но «По млечному пути» не хватает химии между главными героями и не хватает настоящей, а не придуманной эмоциональности, невозможно почувствовать ни трагедию, ни страсть из-за фантастических совпадений и волшебных вмешательств. Фантазия режиссера работает против любого развития характеров, потому что каждый раз, в каждом затруднительном положении все решает небольшая толика неожиданного волшебства будь то полет по воздуху, падение в водопаде или сдувание преследователей с горы. Красота женщины для Кустурицы становится в этом фильме куда более разрушительной силой, чем длительная братоубийственная война, на которой выживают вопреки, а не спасаются.

Стук снаружи

Оценка 6 из 10

Кроме ставшей культовой научно-фантастической «Машины» за режиссером из Уэльса Карадогом В. Джеймсом никаких особенных удач не числится. Его новая работа «Не стучи дважды» осваивает уже территорию городских легенд. Желание Джеймса показать историю, которая манипулирует урбанизированным бессознательным и разыгрывает страхи обывателей, вполне заслуживает внимания. Как, впрочем, и истории про непослушных детей, которых может заманить к себе неопрятная странная соседка, про рабочих, останки которых периодически находят в недрах промышленных гигантов и про страшных крыс, бегающих сломя голову по метро и канализации. Поэтому «Не стучи дважды» относительно уверенно сочетает в себе фильм ужасов, переплетенный с семейной драмой, в виде старомодно-страшного рассказа.

История о воссоединении бывшей матери-наркоманки Джесс (Кэти Сакхофф, «Окулус», «Риддик»), американского скульптора, вернувшейся в Великобританию, где она прожила большую часть юности, и ее дочери Хлои (Люси Бойнтон, известная по сериалам «Молодой Морс», «Борджиа»), которую Джесс сдала в приют в пятилетнем возрасте, сама по себе вполне способна вызвать скупую слезу мелодраматического умиления. Но в «Не стучи дважды» Джеймс делает основной акцент совсем не семейственности, а на том зловещем отпечатке действительности, который несет на себе Хлоя из детства, когда она на себе испытала все прелести легенды о ведьме Джинджер из одиноко стоящего коттеджа. Темное наркоманское прошлое матери и такое же беспросветное мистическое настоящее дочери становятся движущей силой ленты и реальной угрозой для семейного воссоединения. Вне всякого сомнения, этот фильм нельзя рассматривать как нечто выдающееся, но играя на сюжетно предсказуемой территории Джеймс предоставляет терпеливому зрителю несколько оригинальных поворотов о ведьме, крадущей детей. И, о главная загадка эрудированных сценаристов Марка Хакерби и Ника Остлера, пристегнутая к сюжетной основе наша родная Баба-Яга из сказок как одно из самых слабых мест в фильме.

Распространяя городские легенды как психологические вирусы, можно поддерживать самые низменные, самые древние страхи. Например, страх об искренности просьбы просящего, в которую трудно поверить, или страх ложного обвинения в несовершенном поступке. Традиционные спусковые механизмы — пустой брошенный дом, в который опасно стучать без последствий, подземное логово, куда может утащить ведьма — в «Не стучи дважды» стабильно работают для поддержания интереса. Обладая талантом визуализации истории, Джеймс как режиссер прикрывает все проблемы недостаточно хорошего сценария тщательными проработками локаций и создает их как в меру душные и клаустрофобные. Печально, но фильм грешит очень слабой проработкой зловещего антагониста, тем не менее, высокая стройная фигура, ползающая и извивающаяся по экрану — одна из самых распространенных в мэйнстриме хорроров.

Родственные отношения матери и дочери добавляют относительно высокий уровень драмы к «Не стучи дважды». Можно поддержать характеры этих персонажей, они сталкиваются со странным и не очень понятным проявлением зла и совершают вполне запланированные ошибки как по сюжету, так и в отношениях с людьми типа детектива Бордмана (Ник Моран, «Карты, деньги, два ствола», «Мушкетер»). Но, как и в большинстве городских легенд, такая история и элементы сюжета не могут удержать внимание зрителя надолго. Характеры героев развиты ровно в соответствии с жанром, их действия не вызывают сомнений в инстинктивном, заставляющем поверить в то, как далеко готова зайти мать, чтобы защитить ребенка. Финальный твист с героями становится лакмусовым индикатором для «Не стучи дважды» и развеивает все сомнения по части оригинальности увиденного.

Моченый лось

Оценка 7 из 10

Создатель успешной трилогии о Факерах и Бернсах ("Знакомство с родителями», «Знакомство с Факерами», «Знакомство с Факерами 2») сценарист Джон Гамбург не стал испытывать судьбу и вывернул наизнанку свой же сюжет в новейшем «Почему он?». Эту ленту Гамбург уже снимал единолично, заручившись поддержкой гиперактивного и матперематного по сюжету Джеймса Франко ("Интервью», «Оз: Великий и Ужасный»). В центре «Почему он?» — конфликт поколений, конфликт аналогового и цифрового, конфликт мощной бензопилы и «умного» унитаза. Бен Стиллер, который благодаря Гамбургу абсолютно точно знает как правильно знакомиться с родителями, продюсировал фильм и не попал в кадр, но, тем не менее, смог вывести фильм в совершенно другую плоскость, с совершенно другим по концепции юмором. Плоскость «Почему он?» — это плоскость сезонной рождественской фарсовой комедии, накрывающей искренними высокооктановыми непристойностями и взрывающими зал при просмотре.

Атмосфера «Почему он?» менее изящна, чем «Знакомство с родителями», она сразу бьет ниже пояса в самом начале фильма, когда тайное становится голозадым явным и не самым лучшим, пусть и виртуальным, ингридиентом для обывательских юбилейных посиделок. Вопрос «Для кого растили-кормили-учили-лелеяли нашу кровинушку?» виснет в воздухе на секунду и дает мощного пинка развитию ленты. Герой Франко — Лэйрд Мэхью — самовлюбленный мужчина-ребенок сделал состояние в Силиконовой Долине, создавая хитовые компьютерные игрушки, в Мэхью все гипертрофированно выпячено, его искренность и желание понравиться бьют через край и поначалу вызывают сомнения. Девушка Лэйрда Стефани Флеминг (Зои Дойч, «Дедушка легкого поведения», «Академия вампиров») с абсолютной легкостью демонстрирует и послушную пай-девочку для родителей, и в меру похотливую бестию для любимого. Стефани обожает этого татуированного сумасброда, его странности и трюки, ценит его реальность и его стремление окружить себя единомышленниками и по-настоящему близкими людьми.

Очевидность конфликта между олдовиками-родителями Стефани и этим напыщенным, странным наростом цифрового мира Лэйрдом в «Почему он?» прозрачна. Но так же по-фрейдистски прозрачно Стефани намекает отцу Неду Флемингу (Брайан Крэнстон, «Афера под прикрытием», «Операция „Арго“), что со всеми своими прибабахами цифровой хипстер Лэйрд — вылитый папаша в молодости, когда закадрил мамашу на концерте Kiss. Франко без труда удается вся эта эквилибристика животного человеческого магнетизма. замешанного на новейших технологиях, а Гамбургу очень точно удается показать человека, умеющего пускать пыль в глаза на светской публике и ставящего во главу угла презентацию самого себя. Лейрд не настолько глуп и зациклен на собственном члене, он естественен и демонстрирует издержки воспитания, ухлестывая, как это может показаться, за матушкой Стефани Барб (Меган Маллалли, „Чего ждать, когда ждешь ребенка“, «Как я встретил вашу маму»). Его нутро — это тяга всеми возможными способами к обычной семейной жизни, к скучному налаженному быту, а все эти шедевры современного искусства и обилие животных совокуплений на стенах — просто эпатаж для самого себя, чтобы просто соответствовать.

Не думаю, что «Почему он?» могла бы понравиться такому тонкому драматургу как Чехов, но, перефразируя классика, можно сказать, что если вы показываете в первом акте стеклянный куб с утопленным в собственной моче американским лосем, то в третьем акте гениталии этого консерванта должны сыграть злую шутку с одним из персонажей. Местами непроходимо грубый юмор может показаться тупым, но кто и когда знакомился с родителями жениха/невесты без приключений, шаблонно выстроенный ужас знакомства сменяется управляемой импровизацией, которая заставляет вспомнить опусы еще одного смеходела Джадда Апатоу, много работавшего со Стиллером. При просмотре становится ясно, что шуток было на съемках еще больше, чем в самой картине, а высмеивание тупиц, созданных обществом потребления и работающих на него, доставляет Гамбургу не меньшее удовольствие, чем работающие абсолютно на слом мозга и реальности и визуализированные для старперов участники Kiss в роли самих себя. Ожидание веселых сказок на Рождество, даже таких матно-фривольных как «Почему он?», важнее сбывшихся на следующий год надежд. Финал — за простой романтикой без гаджетов, но с проверенными чувствами.

Знаете, каким он парнем был

Оценка 7 из 10

Первая режиссерская работа Бена Аффлека «Прощай, детка, прощай» была экранной адаптацией плодовитого бостонского автора детективов Денниса Лихэйна. Почти через десять лет Аффлек вернулся с еще одной экранизацией Лихэйна — «Закон ночи», но уже в статусе успешного режиссера, сделавшего как минимум два успешных фильма, включая оскароносную «Операцию „Арго“». Во всех фильмах, снятых Аффлеком, режиссерское тщеславие умело сочетается с престижем и злободневностью поднимаемых тем, и „Закон ночи“ подтверждает это правило и не является исключением. Это прямолинейная гангстерская история о бутлегерстве, насыщенная событиями и охватывающая целое десятилетие из истории Америки прошлого века во времена сухого закона. Поэтому «Закон ночи» можно охарактеризовать как еще одну криминальную драму о пути к американской мечте через непростой и вредный для здоровья труд в мафиозном клане.

«Закон ночи» не отступает от традиционных клише большинства драм об организованной преступности и основан на противостоянии двух кланов, занимающихся контрабандой рома вдоль Восточного побережья. По сути, это лента о пути в большие ферзи преступного мира мелкой криминальной пешки Джо Коглина (Бен Аффлек), обожженном Первой мировой войной беспредельщике, который промышляет ночными ограблениями и наставляет рога бостонскому мафиозному «папе». Женщины направляют и управляют жизнью не в меру сентиментального Коглина в этой ленте как демон в лице белокурой бестии Эммы Гулд (Сиенна Миллер, «Шеф Адам Джонс», «Высотка») и как ангельская мулатка Грасиела(Зои Салдана, «Стартрек: Бесконечность», «Стражи Галактики»). Вроде бы неубиваемый, любящий деньги и находчивый жулик Джо Коглин должен быть резвым эмоциональным жеребцом, но нарциссизм Аффлека не знает пределов и границ. Квадратная челюсть, гора мышц и отсутствие горячей эмоциональности главного героя в костюмах прекрасного шитья и ретро-автомобилях уютно чувствуют себя в роли безжалостного и беспринципного представителя интересов клана, рефлексирующего и карабкающегося, тем не менее, на криминальный верх.

Америка клокотала в 20-х годах XX века в войне всех против всех, открыто и злобно, различая только цвет кожи и национальности: ирландцы против итальянцев, кубинцы против испанцев и далее по всему этническому составу. Стесненный обстоятельствами и чуть было не погибший Коглин в «Законе ночи» способен показать редкий пример космополитизма, когда ирландец идет в дружные ряды итальянской мафии и отправляется поднимать ромовые поставки во Флориду, сотрудничая с очаровательными кубинскими дилерами. Возрастной-не-мальчик Аффлек играет молодого человека в возрасте до 30, редко улыбается и чаще всего смотрит на мир с нескрываемым негодованием. Лучше так, в учтивом и многозначительном оцепенении от сцены к сцене, чем добавлять работы при обработке изображения. Приглашение на съемки опытнейшего оператора Роберта Ричардсона (Оскары за «Авиатора» и «Хранителя времени») позволило создать визуально неонуаровую атмосферу в этом шляпно-костюмированном фильме.

Создание режиссером красивых образов и желание осуществить тонкое исследование проблем криминальных отцов и детей на хорошем материале оказываются в запутанными в следовании традициям. Отчасти «Закон ночи» спасают отличные работы актеров второго плана, которые создают эффектные образы. Единственное удивление от этого крепкого фильма — наблюдение за исторической битвой гангстеров и Ку-Клус-Клана, когда на календаре уже 2017 год. Законы США изменились, ром легализован, население во Флориде выросло, несмотря на ураганы и наводнения. Лента не достигает высот предыдущих фильмов Аффлека, являясь по сути высокобюджетной амбицией и авторскими поисками в стиле Клинта Иствуда.

Дорожные дураки

Оценка 6 из 10

Сложно прогнозировать, но новая работа «Без тормозов» француза Николаса Бенаму, отца «Superняней», не обречена на огромный успех у зрителей по трем причинам как минимум. Во-первых, тема взбесившегося и вышедшего из-под управления красного китайского минивэна раскрыта через ненавязчивое «голосуйте кровным евро за отечественное». Во-вторых, Бенаму не дает своим героям никаких, даже малейших, шансов на развитие по сюжету, хотя эти саркастичные слепки со среднеклассовых соотечественников и их отпрысков ему, безусловно, удались. И, в-третьих, режиссер не отодвигается ни на дюйм от традиций французского комедийного кинематографа и размещает в фильме весь набор клише об абсурдных и смешных дорожных приключениях. В итоге «Без тормозов» можно отнести к дорожному фарсу, разыгранному на скорости 160 км/ч, в меру находчивому и в меру предсказуемому.

В жизни пластического хирурга с не совсем французским именем Том (Хосе Гарсия, «Полный привод», «Иллюзия обмана») все хорошо и устроенно. Ботокс сгладил все неровности в его жизни — личные, семейные и финансовые. Этот самодовольный краснопиджачный попугай средних лет — сын стареющего плейбоя Бена (ветеран французского кино Андре Дюссолье), который способен в любой красотке, даже на автозаправке разглядеть «подружку» типа Мелоди (Шарлотта Габрис, работавшая с Бенаму в «„Superнянях“). Жена Тома — по сюжету на последнем месяце беременности уже третьим малышом и психиатр по профессии — обречена терпеть выходки попугая и павиана, оказавшись с ними в одном замкнутом пространстве. Благодаря Бенаму в одном автомобиле „Без тормозов“ оказываются инфантильный нарцисс, истеричка, еще один, более возрастной, инфантил, пара детей и синеволосая припанкованная попутчица.

Думаю, не составляет труда догадаться, что на ситкомовском юморе в полном метре не проехать и сотни километров. И-бац, отказывает круиз-контроль этого умного и красного, в цвет пиджака, водителя авто. Вот тут и начинается настоящий сумасшедший дом на колесах с гонками по автобану, с героической, почти фюнесовской, парочкой жандармов, с лихачом-цыганом на желтом (!) BMW, с капитаншей жандармов, страстно любящей пинг-понг. Не лукавя, в «Без тормозов» Бенаму собирает большую часть уже виденных гэгов и дорожных шуток, не изобретая ничего, но подавая это в нужном месте и с нужной динамикой. Кстати с динамикой в фильме все в порядке, как режиссер-максималист Бенаму снял фильм без большого количества комбинированных съемок и в прямом смысле на большой скорости.

Благодаря чисто внешним жанровым клише фарса, «Без тормозов» освобождены от многослойности социальной сатиры. Бенаму дает в течение полутора часов всем героям сказать, что они думают друг о друге, открыть все секреты отношений, показать профессиональные издержки пластхирурга и вывезти всю историю в предсказуемый и спасительный финал. Накал страстей, коллекционирование дорожных несчастий и небольшая порция туалетного юмора ожидаемо позабавят зрителей. Уверен, что трудности перевода «Без тормозов» не грозят, так много в них понятных без поправок на французские реалии классических мувисцен. Дороги во Франции есть, слепо доверяющие технике идиоты — тоже, а невезучесть — это карма, а не состояние души.

Винтики урбанизма

Оценка 7 из 10

Почти полтора десятка лет назад Майкл Уинтерботтом представил «Код 46» в основную программу Венецианского фестиваля в качестве одного из претендентов на «Золотого льва». Мир еще не оправился от терактов 11 сентября и начала войны в Ираке и отчаянно нуждался в истории, взгляд которой был бы направлен в стабильное недалекое будущее. Урбанизация в этой ленте разделила человечество на условный золотой миллиард и всех остальных, вынужденных бороться за жизнь в естественных условиях. Для режиссера нет никаких сомнений, что такое будущее совсем рядом, как и нет сомнений, что утрата генетической уникальности, национальности и языка скорее необходимость, навязанная некой Системой, чем выбор добровольный человечества. Поэтому сейчас «Код 46» уже можно рассматривать через призму антиутопии и социального комментария как научно-фантастический триллер с элементами мелодрамы.

Мастерство режиссуры Уинтерботтома в этой ленте сложно оспаривать, он сознательно сгоняет аудиторию внутрь кадра, заставляя следить, подглядывать, сопереживать этой странной паре героев по сюжету «Кода 46». Сценарная история Фрэнка Коттрела Бойса ("Круглосуточные тусовщики», «Добро пожаловать в Сараево»), одного из постоянных соавторов Уинтерботтома, представлена свободной от матричного влияния Вачовски. В еще одном дивном новом мире авторы фильма закладывают конфликт пропасти отчуждения между развитыми стерильными мегаполисами и всем остальным миром, где только выживание среди таких же обреченных бедолаг, которые почему-то показаны как многочисленные жители Азии и Ближнего Востока. Очевидно, что существует жесткая пропускная система Сфинкс, регламентирующая передвижения туда и обратно, за выдачей пропусков пристально следят и, само собой, если люди не могут получить пропуск, то на это есть некие особые вполне рациональные причины. Другая основа конфликта «Кода 46» — это прагматизм размножения и сексуальных контактов, которые нормируются жесткими генетическими запретами и делают совпадающих по геному от 25% преступниками.

Если рассматривать «Код 46» в контексте предыдущей ленты Уинтерботтома, почти документальной драмы «В этом мире», то это будет движением в обратную сторону. Герои «В этом мире» — афганские беженцы, которые любыми, в том числе и незаконными, путями стремятся попасть в Лондон, один из центров европейской цивилизации, герои «Кода 46», наоборот, бегут из оазисного Шанхая на Ближний Восток, тоже как преступники, для них даже неожиданные чувства стали преступлением. Причем Уинтерботтому и Бойсу удается придать ленте очевидный фрейдистский оттенок, когда клонированный герой Тима Роббинса Уильям("Идеальный день», «Зеленый Фонарь») обнаруживает 100% совпадение генома своей новой пассии Марии (Саманта Мортон, «Фантастические твари и где они обитают», «Особое мнение») с геномом своей матери. Но люди все равно остаются людьми и не перестают любить, несмотря на всевозможные манипуляции с памятью и 100% генетические совпадения, поэтому Уильям и Мария — обреченные любовники, бегущие от общества, где любовь, теряет все человеческое и становится все больше высокотехнологичным экспериментом.

Сама история «Кода 46» и сама идея фильма не потеряли той трепетности и увлекательности, которой они обладали на момент первых показов зрителям. Уинтерботтом мудро представляет не технические новинки, способные удивить воображение, он исследует людей, их возможное поведение в новом социуме. Поиск свободы, желание быть свободным там, где человеческая жизнь стоит крайне мало и где о свободах личности говорить не принято. Дилемма выбора между тоталитаризмом, дающим все блага жизни и не видящим личности, и неким условным освобождением на гибнущих территориях подается либерально-добросовестно и очень захватывает. Можно забыть специфические особенности сюжета «Кода 46», но мир, который он показывает зрителям надолго останется в памяти.

Просеянная нация

Оценка 6 из 10

Молодой американский режиссер Майкл Дж. Галлахер в основном известен благодаря ужастику для подростков «Смайли». Благодаря инновационному проекту YouTube Red этому режиссеру удалось снять вторую, более удачную, полнометражную ленту «Отсев» о жизни американских тинейджеров спустя какие-то близкие X лет. Обычная прогностическая задача о перенаселенности нашей планеты в обозримом будущем по-разному решается в разных странах, в Штатах по фильму — ежегодно 5% не слишком способных и натасканных в науках ребятишек отправляются на утилизацию как не оправдавший надежд общества биоматериал. Дожить до 18 лет, еще надо побороться за это право проживания в обетованном и полном благ потребительском рае, куда двоечников не берут совсем. Галлахеру удалась как режиссеру убрать из «Отсева» излишний и очевидный налет социальности и снять простой для восприятия антиутопический триллер о справедливости для всех.

Сюжет «Отсева» крутится вокруг обмана, в котором очень много узнаваемых моментов, когда общественная элита любой «демократии», «свободного общества» или «общества равных возможностей» может себе позволить немного больше, чем простые смертные. Ну, совсем немного больше, когда речь идет о не совсем даровитых собственных отпрысках. Галлахер и Стив Грин уже работали над совместным сценарием к недавней «Звезде Интернета», поэтому смогли найти общую позицию в «Отсеве» и построить фильм на вполне реальной дилемме, которая способная вызвать отклик у зрителей и сделать ленту волнующей и интригующей. Сюжетные повороты и само развитие вполне предсказуемо, но сценаристы не боятся раздвинуть рамки и демонизировать роль полицейского государства. Для такого видеохостинга как YouTube создание подобного фильма в платной подписке — в первую очередь является стремлением подыграть вкусам молодой аудитории, где понятны и переживания, и тематика самого фильма.

Забавен ролик из «Отсева», когда детям в виде доступной анимации рассказывают, почему не может Мать-Земля прокормить столько американышей и почему они должны быть лучше и лучше. Вот и звезда американских сериалов Мэттью Глэйв был подобран похожим как две капли воды на действующего губернатора Техаса Рика Перри и сыграл в итоге злодея-губернатора из Техаса будущего. Очень хорош Логан Пол в роли сынка губернатора, способного и на высокие чувства, и на то, чтобы кинуть ради любви такую замечательную левацкую фишку родному папаше. А на что прикажете молиться после окончания «Отсева» смазливой заучке Лэйне (18-летняя Пейтон Лист), которая лишена высокого покровительства и сияет как бриллиант только своими знаниями. Конечно, не обошлось и без героини от американской педагогики, которую сыграла уже подзабытая Стейси Дэш, звезда «Бестолковых».

Вместе с тем «Отсеву» не хватает как воздуха мастерски выстроенной напряженности, характерной для настоящего триллера. Местами фильм скатывается в антиутопическую мелодраму, застревая где-то в стыке жанров, где есть и продажные чиновники, и таинственные охранники в масках, и передовые технологии. Но сама любовь — вне времени, она не будет ни футуристичной, ни старомодной, она есть или нет, и она снижает градус фильма, которому не хватает убедительности тона и по-настоящему жестких сцен. Тем не менее, «Отсев» не лишен харизмы и очарования не будучи шедевром кинематографии. Через клише триллера и мелодраматическую тинейджерскую линию авторам все равно удается высказаться на злободневные темы коррупции и ограничения рождаемости в рамках условного диалога с сегодняшним обществом.

Пристегнись наверно крепче

Оценка 6 из 10

Американский режиссер Крис Уэдж, который стоял у истоков франшизы «Ледниковый период» и был отцом «Роботов» и «Эпика», снял первый за всю карьеру игровой фильм — «Монстр-траки». Paramount не поскупилась на бюджет и сбросила на головы несчастных акционеров финансовую бомбу на 125 млн. американских долларов. За что, спрашивается, такая милость Уэджу? Все очень просто: директор Paramount (сейчас уже бывший) Адам Гудмен и его четырехлетний сын (сейчас уже повзрослевший) придумали эту идею, ставшую настоящим инвестиционным наказанием. Можно по-разному рассматривать «Монстр-траки», но — в первую очередь — это семейный приключенческий фильм с элементами анимации и фантастики.

Поскольку «Монстр-траки» имеют возрастную категорию 6+, то чудовища из подземного озера оказались в мире людей благодаря случайностям сланцевой революции и буквально вынырнули из скважины. Они напоминают по виду нечто среднее между морским львом, осьминогом и акулой, очевидно, что как мастеру анимации Уэджу не составило большого труда придумать этих монстров. Если бы он начал двигаться по пути фильма ужасов, то эти твари могли бы преподавать хорошие уроки жадным корпоративным монстрам-нефтяникам на двух ногах. Но лента — семейная, поэтому сценарист Дерек Коннолли ("Мир Юрского периода», «Безопасность не гарантируется») не придумал ничего лучше, чем наделение этих существ хорошим аппетитом к нефтепродуктам, быстрой адаптации за счет практически дельфиньего интеллекта и, самое главное, их можно разместить под капотом вместо мотора, чтобы получить чудо-трак с огромными колесами.

В вышедшем на экраны «Пит и его дракон» в прошлом году Walt Disney решились на приглашение артхаусного режиссера Дэвида Лоури на проект и фильм с аналогичной идеей сценария о единстве человека и природы стал творческой удачей. В «Монстр-траках» есть погружение в винтажный мир 30-летней давности о ценностях дружбы наподобие «Бесконечной истории» Петерсена или «Инопланетянина» Спилберга. Поэтому фильм, демонстрирующий отличную операторскую работу Дона Бёрджесса ("Союзники», «Форрест Гамп»), выглядит неприлично старомодным и практически без цифровых спецэффектов. Приглашение на роли «подростков» уже опытных 26-летнего Лукаса Тилла ("Люди Икс», «Паранойя») и 27-летней Джейн Леви ("Не дыши», «Зловещие мертвецы: Черная книга») только укрепляет в мысли об излишней постановочности и перепродюсированности этой ленты. Но, тем не менее, в искренности и чистоте дружбы экранных Триппа и Мередит сомневаться по ходу просмотра приходится очень мало.

Как лента с высоким бюджетом «Монстр-траки» демонстрируют несколько действительно захватывающих моментов: преследование, в котором благодаря подкапотному монстру, трак Триппа проделывает настоящие чудеса и очень динамично снятое спасение монстров из корпоративного плена в горно-ланшафтных пейзажах. Плохие парни из углеводородного гиганта Terravex в лице крупного матерого производственника (Роб Лоу, «Домашнее видео», «Изобретение лжи») и продажного эколога (Томас Леннон, «Рыцарь кубков», «Трансформеры: Эпоха истребления») очень убедительны в своих ролях людей, которые видят только нули и единицы прибыли. Лента увлекательно демонстрирует нам бесстрашных борцов за защиту природы в любых формах, но снята абсолютно мимо большинства целевых аудиторий, это самый настоящий выстрел в воздух. Хотя свою аудиторию «Монстр-траки», безусловно, соберут, не так и мало мальчиков, влюбленных в автогонки и готовых с радостью внимать сюжетным поворотам. Главная проблема фильма в злоупотреблении Уэджем приемами анимации в игровом кино, где все-таки снимаются живые люди и нужна драма с уроком экологии, а не демонстрация возможностей олдскульного видения кинопроизводства.

Служа целям света

Оценка 7 из 10

Интернациональный альянс австралийского режиссера Джастина Курзеля и исполнителей главных ролей в «Кредо убийцы» немца Майкла Фассбендера и француженки Марион Котийяр сделал странный, с точки зрения логики, поворот. В 2015 году эту троицу прославила без меры кроваво-мрачная экранизация шекспировского «Макбета», номинированная на Золотую пальмовую ветвь в Каннах. Но маятник качнулся в другую сторону — и уже экранизация культовой видеоигры «Assassin’s Creed» с полным искренним следованием ее мифологии. Работа Курзеля показывает попытку большого режиссера перенести атмосферу «Макбета» в блокбастер и наполнить его сумашествием и бешеной энергетикой. «Кредо убийцы» — это странное сочетание фэнтэзийности и научно-популярного боевика, с неминуемым столкновением двух крайних идеологий тамплиеров и ассасинов и демонстрацией чудес технологии в освоении генетической памяти.

Есть ли смысл комментировать сюжетную основу «Кредо убийцы»? Это вопрос больше к фанатам самой игры, чем к зрителям. Лучше говорить о тех находках, которые могут понравиться при просмотре этой ленты. Великолепная операторская съемка Адама Аркпоу, работавшего, кстати, и над «Макбетом», воспроизводит мрачное Средневековье через головокружительный воздух открытых пространств погонь и полетов. Паркур, трюки и клаустрофобные поединки Агиляра (Фассбендер по-испански) и Марии (Ариана Лабед, «Лобстер», «Перед полуночью») с превосходящими и не уступающими в силе и ловкости тамплиерами держат на себе экшен ленты и внимание зрителя. «Кредо убийцы» имеет последовательный сценарий, баланс между диалогами и поединками разделен очень четко: Средневековью — зрелищное, 2016 году — глубина замыслов и экспериментов, моральное оправдание многовекового существования могущественного ордена.

Изощренность и последовательность современных тамплиеров показаны через пытки потомков анархистов-ассасинов в стерильной тюрьме Abstergo Industries. Анимус — главный аттракцион по выбиванию показаний из Каллума Линча (Фассбендер по-английски) мало чем отличается по изощренности от более приземленных методов средневековых инквизиторов. Между лидерами проекта явный конфликт: Риккин (Джереми Айронс) — больше тамплиер, жаждущий славы и господства, и София (Марион Котийяр) — больше талантливый ученый, со всей ответственностью, несмотря на весь научный цинизм и ложь, чем тамплиер. По сути, в «Кредо убийцы» сталкиваются два мифа — о тамплиерах-государственниках, жаждущих мирового господства и попирающих гражданские свободы патерналистах, и суровых, но романтично-справедливых ассасинах-освобидителях, средневековых и современных анархистах-беспредельщиках, которые отформатированы суровым кредо. Ничто не верно, все разрешено.

Основное столкновение в «Кредо убийцы» — не мелочный конфликт о территории, деньгах или социальном престиже, это, ни больше ни меньше, битва за свободу человеческой воли. Поэтому столкновение между задернутыми легкой дымкой крестиками-ноликами исторической фантазии и гладким современным научно-фантастическим миром, разрушающим привычные размеры и залезающим не в душу, а на несколько веков назад, больше похоже на примитивную Матрицу. Лента далека от политики, но, тем не менее, передергивает акценты, хорошие ребята-ассасины вне религии по фильму, а на стороне зла — все официально добродетельное: Ватикан и Организация Объединенных Наций. В этом вся условность и все достоинства фильма — восхищение гордостью и силой на уровне внятного и точно одного из лучших блокбастеров последнего времени. В очередной раз в «Кредо убийцы» подана далеко не оригинальная мысль, что человеческая история — это история насилия.

Пафосный пар фэнтбастера

Оценка 3 из 10

В полном метре режиссер «Викинга» — Андрей Кравчук — дебютировал замеченной и оцененной на Берлинском фестивале драмой «Итальянец». Но, вкусив сладостей жизни с одиозным «Адмиралом», полнометражным фильмом и сериалом, режиссер решился на еще один блокбастер. Маркетологическая схема презентованного аккурат к Новому Году «Викинга» выстраивается по аналогии с «Адмиралом»: сначала откатать прокат, причем строго сегментированно — 12+ и 18+, потом — сериал, можно было бы еще комикс выпустить. И все. Десятизначный паевой бюджет государства и «Первого канала» может дать уверенный плюс прибыли. Но комикс — это не наш профиль, все-таки древняя история, а не «Отряд самоубийц». В сухом остатке «Викинга» — умеренно-брутальный фэнтэзийный боевик о князе Владимире Крестителе с кучей блокбастерных проблем.

Думаю, внимательные зрители «Викинга» увидели в нем очевидный зародыш для будущего сериала. Невооруженным глазом видна битва монтажеров с уже отснятым материалом, резали не дожидаясь и в угоду вменяемому хронометражу, который может высидеть обычный зритель в кинотеатре. В итоге сюжет фильма состыкован в форме клипово-жирной нарезки против логики, которая так и намекает на то, что даже в немного более продолжительном 18+ варианте еще есть чем заполнить сюжетные пустоты, но это уже, видимо, произойдет в ожидаемом сериале по фильму. Колористика фильма о грязных язычниках-русичах примитивно-отвратительна, «Викинг» решен в какой-то серо-пещерной цветовой гамме, которая просто утомляет глаз. В самом общем смысле у ленты — явный дефицит сюжетной изобретательности и интриги, понимаю, что «Повесть временных лет» давно все отформатировала, но Кравчук даже не попытался уйти от клише любого околоисторического фильма или сериала.

Батальные сцены сняты в формате — «один военизированный сброд нападает на другой такой же сброд» — и показывают войну русичей с печенегами и между собой не как необходимость выживания государства, а в виде реслинга, заливающего без меры бутафорской кровью экран. Норманны, показанные в «Викинге» с плохо скрываемой симпатией, были воинами с хорошей организаций и тактикой, а не опившимися мухоморным отваром берсерками. Но зрелищно проще и выигрышнее снять кучу малу из месива тел, чем показать элементарные воинские организации. И где нужно собирать мухоморы, в каком Чернобыле, чтобы придумать бессмысленный, но зрелищный эпизод с ладьей, скатывающейся на полчища врагов. Тщательность реконструкции деталей оружия, одежды, построек и кораблей в фильме сродни фетишизму, который уводит внимание зрителя от Владимира и его государственных метаний.

Кстати, Владимира (Данила Козловский) легко опознать по аккуратно подстриженной бороде, мятущемуся поведению и относительной чистоте, ничего нового в свой актив актер этим образом не добавил, предсказуем и без большой драмы. Базовый женский состав представлен как встреча плотского (Александра Бортич в роли Рогнеды) и духовного (Светлана Ходченкова в роли Ирины). Бортич вынужденно демонстрирует прелести плоти, Ходченкова мудро демонстрирует прелести единобожия. Актрисы различаемы, в отличие от всей остальной чумазой братвы, простите, дружинников, роли которых сыграли далеко не последние, хорошо известные актеры Максим Суханов, Игорь Петренко, Андрей Смоляков, Владимир Епифанцев и Александр Устюгов. И последнее — зачем держать зрителей за существ с невысоким интеллектом и вгонять им в довесок к одно-двухфразным репликам еще и комменты от Свенельда.

Мы едем, едем, едем…

Оценка 8 из 10

Норвежский режиссер «Пассажиров» Мортен Тильдум ("Игра в имитацию», «Охотники за головами») реализует уже второй крупный проект в Голливуде. Да что там реализует, благодаря ему и рисковым инвесторам из Sony наконец-то был экранизирован сценарий Джона Спэйтса ("Доктор Стрэндж», «Прометей»), почти десять лет томившийся в блэклисте сценариев. Сценарий и постановка ленты доводят до ума обычных зрителей мысль, что на оригинальную идею сценария можно в духе постмодернизма нанизывать абсолютно считываемые и местами даже затасканные образы типа бармена-андроида Артура (Майкл Шин, «Под покровом ночи», «Вдали от обезумевшей толпы») в стиле привет-«Сияние»-Кубрик. Историю Тильдум размещает во вполне визуально обновленных, стерильно холодных, правильных, как будто футуристичных, декорациях. Но «Пассажиры» — это, в первую очередь, условная фантастика камерного мелодраматического триллера и только во вторую — фильм-катастрофа, который, собственно, и ожидается.

Поскольку «Пассажиры» — это продюсерское, а не авторское, кино, то вся философия фильма стыдливо упрятана на некоторую относительную глубину и вопросы этой ленты провисают в угоду зрелищности. Впрочем, сначала о пресловутой зрелищности. Пару, которая со скоростью 150 миллионов метров в секунду несется в «Авалоне» навстречу новой жизни в одной из земных колоний, сыграли Дженнифер Лоуренс ("Голодные игры», «Люди Икс», «Джой») и Крис Пратт ("Стражи Галактики», «Великолепная семерка»). И Пратт в роли инженера-механика Джима Престона, и Лоуренс в роли писательницы Авроры Лейн не показали никаких вершин актерского мастерства. Пратт мил, обаятелен, комичен и мастеровит, Лоуренс — умеренно сексуальна, истерична, но способна на поступки. Он — вызывает доверие своей естественностью и простотой, она — живая ролевая модель для повзрослевших вместе с ее фильмографией девочек-подростков.

То, что происходит между «Пассажирами» на экране скорее вынужденная, строго дозированная Тильдумом химия чувств. Он — пассажир второго класса, по сути, пионер новой жизни, который любит чинить, а не заменять. Она, естественно — в первом и сгорает от желания обессмертить свое имя в веках глубоким шедевром о межгалактическом путешествии туда и обратно. В реальной жизни прошли бы мимо и не посмотрели друг на друга, а то не встретились вовсе. С появлением в кадре Лоуренс начинает оживать очевидный архетип о Спящей добровольным сном гибернации Красавице. И это не удивительно. Вокруг досрочно вышедшего из анабиоза, простите, гибернации, Джима, ставшего обреченно-суицидальным Робинзоном в сонном «Авалоне», столько молодых и интересных женщин. Как не включить Змея-искусителя… Все-таки год осознанного воздержания, брадозарастания и задопоказывания.

Авторам «Пассажиров» нравится культивировать любовь как фатализм, как предопределенность, в какие-то моменты даже как основу для выживания. Хотя для понимания героев важнее все-таки говорить о драме их межгалактического карьеризма, когда Джим и Аврора бегут от собственной земной невостребованности, летят световые годы со счастливыми билетами и надеждами. Кроме того, любой зритель на большом экране будет наблюдать с удовольствием за всеми шевелениями в этом автоматизированном раю. Даже, когда ненадолго в кадре появится старина Гас (Лоренс Фишбёрн, «Матрица», «Апокалипсис сегодня») как связующее эту парочку звено, окончательно раскрывающее секрет сюжетного полишинеля ленты. Еще один стыдливая составляющая этой ленты — отказ от личного эгоизма в пользу ответственности, когда начинается настоящий корабельный апокалипсис.

О технической условности и космической декоративности «Пассажиров» можно говорить очень долго. Кое-где просматривается элементарное знание физических законов, но почему в суперзрелищной сцене с потерей гравитации героиня Лоуренс тщетно пытается покинуть водяной пузырь — загадка. Даже для механики сплошных сред. Впрочем, двухчасовая история «Пассажиров» — это все-таки движение в сторону рая совместной жизни на отдельно взятом космическом корабле от оставленного на Земле одиночества. Рай — вынужденный, стерпится-слюбится, жили долго и счастливо, девяносто лет одиночества.

Непотопляемые

Оценка 7 из 10

Для студии «Мельница» ежегодный экранный выстрел «Богатырями» на 1 января как хлопок петарды. Громко, показушно-радостно и, увы, уже давно не впечатляют последние несколько лент из этой франшизы. Новейшие «Три богатыря и Морской царь» совсем не стали тем ожидаемо-окончательным провалом к радости злопыхателей, но и не произошло радикального обновления. «Мельница» сделала шаг в сторону, далекую от ратных дел, что, очевидно, было продиктовано креативным кризисом и взрослением фанатской части аудитории, которая ожидаемо бежит на премьерные показы. В итоге «Три богатыря и Морской царь» — это совсем не крутой мультбоевик, а романтическая, да-да, комедия с зашкаливающими ситкомовскими гэгами, переполненная кучей аллюзий и передергиванием штампов.

Замечу, что новые «Богатыри» представляют нам мало чем отличающихся друг от друга на первый взгляд Алёшу Поповича, Добрыню Никитича и Илью Муромца обрастающими жирком киевскими обывателями. Жен любят, не изменяют, но маются в обычной жизни от походов на рынок, где, оказывается, не всегда есть место подвигу. В итоге основа конфликта в фильме — это все-таки выяснение и налаживание дающих трещину семейных отношений, а не доблестная защита Руси от басурманов. Да и басурман в фильме — нарциссичный прелюбодей Морской царь со своими осьминогами, скатами, морскими коньками совсем не образ коварного врага, а так, заигравшийся взрослый мальчик, не испытывающий любви к родному запаху тины. Князь Киевский, как всегда, без сюрпризов, в меру очарователен, алчен и глуповат, втягивается в авантюру и радикально меняет имидж на такого карманного Джека-Воробья-охотника-за-сокровищами.

Добавление мелодраматической линии в сюжет становится той основой, где юмор «Ворониных» встречается с одиночеством Морского царя. Множество шуток про семейную жизнь, базар, сексуальные предпочтения, влюбленность и мужскую силу вызывают улыбку. Но интересна ли такая тематика зрительской аудитории 6+, которая подсознательно ждет от «Богатырей» зрелищного экшена? Нужны ли эти заезды в Петра и Февронию или детям, кроме авторов этой ленты, некому рассказать об искусстве семейных отношений? Наспех сляпанное морское царство грешит слабой прорисовкой деталей и визуально отсылает нас вторичностью декораций к более успешным анимационным проектам.

Странное дело, при всей своей противоречивости и вторичности новые «Богатыри» подкупают каким-то запредельным обаянием. Феноменально, но они притягивают даже на уровне игры с архетипами и расставленными повсюду ловушками для внимательного зрителя типа танца с саблями, китайского быстростроя, Морского царя в наполеоновском чуть покосившемся антураже. В «Три богатыря и Морской царь» героические бои с коварным внешним врагом трансформируются во внутреннюю борьбу за любовь. Финальный твист ленты выглядит уже совсем по Фрейду, но, как и в песне эстрадного патриарха Юрия Антонова, мечты сбываются. Богатыри-семьянины — и без подвигов на этот раз, такое тоже возможно.